見つけもの @ そこかしこ

ちょっと見つけて嬉しい事、そこら辺にあって感動したもの、大好きなもの、沢山あるよね。

カテゴリ: 舞台・芝居全般


WOWOWで放映されていた野田地図の「Q ーA night at the Kabuki」 を観た。野田マップは本当に久しぶりだ。野田さんは以前ロンドンで「Red Deamon」や「The Bee」、「One Green Bottle」など小劇場での公演を何度もやっていたので結構観ていたのだけれど、野田マップとしての公演は本当に最期に観たのって「ロープ」?だったかも、、?

観始めるに当たってちょっと驚いたのが「結構長いな」という事だ。でも展開の早い野田さんの舞台のこと、グイグイ回転していくのだろうなと、、、。そしてタイトルに使われている「Q」はQueenの曲をフィーチャーして構成されているとのこと。それも彼らの4作目のアルバム、「A nihgt at the Opera」の曲で、、、

私はリアルタイムで筋金入りのQueenファンだ。来日公演には中学生だった76年から何度も行ったし、雨の中で出待ちしていた高校生の春、76年のときは雑誌撮影の様子をホテルの垣根の隙間から見ていたり、本当にQueenと一緒に青春時代を送った。初めて彼らの来日公演に行かれなかった83年の時は、私自身の劇団の舞台と重なったからだ。あの時は本当に不思議な気持ちだった。中学生の時から死ぬほど好きだった彼らのコンサートと、私の舞台が同時にあるという事が、、、(規模は大幅に違いすぎるが)

ストーリーは源平両家をロミオとジュリエットに重ねて、戦国時代の背景になっている。これはなかなかのアイデア。源頼朝の妹という設定のじゅりえと、平清盛の息子ということになっているローミオの悲恋がそのままシェイクスピアの芝居と重なる。けれどここに登場するのが30年後のローミオとじゅりえだ。実は生きていたこの二人が時間を超えて、過去の自分たちの運命を変えようと戻ってくる。前半は完全にロミオとジュリエットのストーリーを源氏と平家の目線でなぞってくのだが、30年後の二人はなんとか結末を変えようと要所要所に現れては軌道修正しようとするのだが、実はほぼ修正されずに進んでいくのが面白い。

相変わらずテンポの良い野田さんの本。日英の古典をうまく重ねて、お得意の言葉遊びも随所で光る。この辺りのセンスはさすがだな〜。言葉のつなぎ方が巧いよね。ただ、私としてはどうしても芝居がQueenの曲とうまく合わない。このA Night At The Operaというアルバムに入っている曲は本当にバラエティーに富んでいて、名曲「ボヘミアン•ラプソディー」はあまりにも有名だが、他にも知られざる名曲がいくつもある。B面の「The Prophet's song」なんかは、昔ダンスの振り付けに使おうかと思った事もあるし、短くてもストーリー性のある歌や、もちろん個人的な憎しみや愛情や、いろんな要素が詰まっている、このアルバムを芝居に使おうというアイデアは凄く良い。でも、一つ一つの曲を知りすぎている私には、どうしても目の前の芝居とこの45年前のアルバムとが重ならない。

芝居が面白く進むたびに、入ってくるQueenの曲がどうしてもしっくり収まらない感じが拭えないままに舞台が進んでいく。仕方がないので、自分の中で「これは転換の際の効果音楽」と思いながら観ることにした。Kabukiと謳っているのだが、これもそこまで歌舞伎らしい要素が重要とは思えず、普通に「芝居」で良かったとも思うのだが、野田さんにしてみると、このアルバムコンセプトと芝居に重なるものがあったのだろう。「やってみたくなる」のは演劇人の本能だ。

松たか子さんと上川隆也さんの「30年後のローミオとじゅりえ」そして、広瀬すずさんと志尊淳さんの若きロミオとジュリエット、このキャスティングはとても良い。広瀬さんはこれが初舞台だそうだ。声の使い方は確かに「苦しい」と感じる事もあったけれど、良い芝居をする人だ。ベテランの松さんと上川さんはもう安心して観ていられるし、アンサンブルのテンポも絶妙なので、野田さんの本を楽しめる。

後半は、生き残った二人のその後なのだが、やっぱり野田さんの本はお安いハッピーエンドにはならない。私はだから野田さんの芝居が好きだ。いつも現実を突きつけて、決してお安い結末にしない。結局はこの二人も墓場からは生き延びたものの、その後は2度と会える事なく、ローミオは名を捨てて戦に加わり、最果ての地で「俊寛」のように哀れに故郷を乞いながら死んでいく。輝くような青春を演じる広瀬・志尊コンビのキラキラした若さの恋と、熟年になっても変わらぬ愛を秘め続ける大人の二人の姿が美しく、悲しい。

若さには未来は見えていない。見えないないからこそ希望と、勢いと、無謀さがある。未来から見る過去は、美しく、辛く、暖かさと絶望が。敵味方の立場から「あなたの名前を捨てて」というジュリエットのセリフをここまで膨らませた芝居が出来上がるとは、流石に野田秀樹さんだ。乳母役もピッタリで、まだまだ体が動く役者でもある。竹中直人さんを舞台で見るのも本当に久しぶりでこれで2度目かなあ〜〜?テレビで見るよりも、ずっと良い役者だ。

Queenと歌舞伎は特にフィーチャーしなくても十分面白い舞台だ。Queenの曲でのステージ化といえば、昔、モーリス•ベジャールがモダンバレエを振り付けた素晴らしい舞台があった。歌詞を全て知り尽くしている私にとっては、それが芝居のセリフとぶつかってしまって違和感を感じてしまったけれど、それと気づかずに見ると結構馴染んでいたのかな、、、??

日本での芝居は本当に滅多にみられないのに、このコロナ騒ぎとネットサービスのおかげで、「日本にも危機感を告げるような芝居があるじゃないか」と思わせてくれる舞台を見られるのは本当に嬉しい。もちろん舞台は舞台で観てこそ、なのだが、何しろ世界的に劇場がほとんど開いていないのだから、舞台映像でも充分だ。

 


やっと明日(15日)から一般のショップが再オープンすることができる。今まではスーパーや薬局以外は全部閉まっていたので、多少散歩に出かけてもウィンドウを見られるでもなし、立ち寄れるところも無しの2ヶ月半だった。先週からカフェのお持ち帰りなんかもできるようになって、タウンセンターのスタバもテイクアウェイの人で行列ができていた。(私はスタバのコーヒーは好きじゃないから別にいいけど)

週末の間、各店舗は新しい体制でのオープンに向けて店内を一方通行にしたり、入り口の列用に間隔を開けて印をつけたり、レジのところに衝立をつけたり、、、と準備に追われている様子だった。明日になったらどんなだろうか、、、混み合うのか、それとも大事をとって必要以上には買い物に行かない人たちの方が多いか、、?う〜ん、解りかねる、でもなんとなく後者のような気もするなあ〜〜。

私の職場も一応店舗としてのオープンはできるようだけれど、眼の検査がまだ解禁になっていない。検査せずには新しいメガネは売れない、季節的にはサングラスとか売りたい時期なのだが私とM嬢がフルタイムで仕事に戻るのはいつなのか、、、??そろそろ先が見えないのもイラつくなあ。

もうだいぶ前に観た芝居、「The Madness of Goerge III」の舞台をナショナルシアターのヴァーションで観た。同じ本でも違う配役、演出で観るのは面白い。この芝居は映画版もとても好きなので尚更だ。以前に見た時の感想はこちらです。ちなみに今回のジョージ3世はBBCのシャーロックで兄のマイクロフトを演じていたMark Gatiss氏。90度の角度に建て込んだドアと壁を何度も角度を変えて場面転換する。装置の角度と照明の色でかなり幅広い場面転換になっていた。

日本のWOWOWでも結構舞台をやっている。いつもチケットを買って劇場に行くときには、私は観る芝居を厳選する。私は舞台は良い席で観る、ということにこだわるのでチケットはお高い。今は月1本と思っているのだが、まず本、演出、出演者を見る。もしも簡単な宣伝・イントロがサイトにあればそれも考慮する。だって、劇場に行ってから「好きじゃないな」とは思いたくないよね。面白いかどうかは観ないとわからないので、まずは題材と顔ぶれを見て好きそうかどうかで決める。ロックダウンになってから本当にあれもこれもネット配信されていて、シェイクスピアなんて同じ演目が3つくらいあったりする。でも見初めて5分でやめたものも多い。ピンとこなかったら他を探す。

長塚圭史さんの本で「アジアの女」と言うのをやっていて、これも石原さとみさんだったので観てみた。長塚さんのことは聞いてはいたけれど作品を見たことがなかったので「やっと」と言う感じがする。演出は吉田鋼太郎さん。鋼太郎さん、大活躍だなあ〜、特に蜷川さんが亡くなってからは本当に精力的に役者としても演出も頑張っていらっしゃる。出演者5人の芝居、セットも変わらないと言うのは私の好きなスタイルだ。

大地震後の立入禁止区域で一階が潰れた家に留まって住んでいる兄妹。妹のまき子は以前に心を病んで、自傷行為を繰り返し、心配した兄がずっと付き添ってやっと治ってきているのだが、この兄もまたちょっと過去の傷があるようで、毎日酒を飲んでいるアル中のようだ。、何故か理由を言わないままにいきなり兄を探し当ててやってきた一ノ瀬という男は実は作家で、兄はその編集者だったらしい。本当は書く才能なんてこれっぽっちもない一ノ瀬と兄妹との3人の奇妙な暮らしが始まる。そして過去のことが判るにつれて、少しずつ各々の心に隠していた恐れや恥や恐怖がだんだん姿を表していく。一番心を病んでいたはずの妹は闇のボランティア(おそらくは身売り)をするうち、一角に取り残されていた中国人コミュニティーの中に新しい恋を見つける。

石原さん演じるまき子が初めはちょっと知能が弱そうな(まだ心が少し壊れている)イメージだったのが、後半でどんどん浄化して、救いの女神のような神々しさを出していく。綺麗だ。彼女に思いを寄せる警官も、まき子を巧みに丸め込んで怪しいボランティアに担ぎ出す鳥居さんという女性も、どこかしら一途さのあるキャラクターで魅力的だ。

ラストで鋼太郎さんは、このシアターコクーン での蜷川幸雄の得意技を使った。舞台正面の搬入口の扉を開ける。その向こうに光に吸い込まれるように歩いていくまき子の姿はルネッサンスの絵のようだった。

偶然に最近2本も見た石原さとみさんの舞台だけれど、良い女優さんだな。

ドラマでは、WOWOWの「太陽は動かない」が骨太で面白い。30代後半になった藤原竜也の線の太い芝居が見られる。キャストも市原隼人さん、佐藤浩一さん、そしてここにも吉田鋼太郎さんがいる。まだ3話でちょうど折り返しなのかな。そのWOWOWの番組の前後に「バトル・ロワイヤル」や「ダイナー 」「インシテミル」なんかもあって、なんだか藤原竜也祭りだ。「インシテミル」を見てみたかった。昔、どうしてもネットで上がっているのを見つけられなくて、今までみられなかった映画。これもキャストが興味深い。日本のテレビは2週間まで遡ってみられるので、慌てなくても時間はある。明日はこれにしようかな。

明日は散歩がてらちょっとタウンセンターを覗いてみようか、でもきっとどの店も入り口に行列なんだろうなあ〜〜、、、、
 


ネットで色々と観られる劇場ライヴ/アーカイヴがよりどりみどりなのは嬉しいけれど、実際に2時間macの前に座ってみるものは厳選している。TVでもYourubeは観られるのだけれど、ロックダウンで彼と二人とも家にいるようになってからは暗黙の了解で、テレビは彼、Macは私の領域になっている、、、

シェイクスピア祭りのようになってきて、あっちもこちもシェイクスピアなのだが、私は新作を観たい。
去年だったか、タイトルと宣伝は観たものの、子供向けのファミリードラマかと思ってパスした舞台が「A Monster Calls」だった。ロンドンではThe Old Vicで上演されていたのは知っている。ちょうど今年の2月から全国をツアーのはずだったのが、 コロナウィルスの影響で、3月には中止になってしまっていた。原作は確かに青少年向けに書かれた本ではあるけれど、とても心に響く素敵な舞台になっている。
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13歳のコナーは母と二人暮らし。父親は今では別の人と再婚してアメリカに住んでいるようだ。「おはよう、よく眠れた?」「大丈夫だよ、ママ」といういつもと同じ会話で始まる日々には、それぞれが取り繕っている恐怖にも似た思いが隠されている。母は末期の癌で、治療はどうもうまくいっていない様子だ。けれどその事実を息子には告げずに笑顔を作っている。一方コナーはうわべの「大丈夫」とは裏腹に、母を失うかもしれない恐怖を抑え込んで、夜になると悪い夢を見ている。さらに学校ではいじめに遭っているのだが、これまた友人にも先生にも相談することを拒否して自分の中に閉じ込めている。

ある夜から、夢のように夜の12時過ぎになると家の前にある老大木のモンスターが現れて、コナーに3つの物語を聴かせる。このモンスターは、3つのストーリーが終わったら今度はコナーが4つ目の話を自分に聴かせろと言う。3つのストーリーはどれも謎かけのようで、良い人が悪事を行ったり、信じなければいけないものの為に信仰を捨ててしまったり、人間の中にある葛藤を顕すものばかりで、コナーはますます混乱する。

やがて母の容態は悪化し、最後まで「大丈夫」と言い張っていたコナーの中で、モンスターの言葉が膨れ上がっていく。「真実を話せ!正直に話せ!」と、、、、

簡素な舞台にセットらしきものはなく、組紐体操のような紐を使って大木とその精のようなモンスターを表現し、日常の家族や学友たちを演じるアンサンブルがパイプ椅子を巧みに使ってシーンを作る。バックの音楽も生演奏の姿が見えるようになっている。

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 初めは傷つけない、傷つかない為に本音とは違うことを言う。けれど本当の心との葛藤がどんどん膨れていくにつれ、やがて正直な気持ちを言わなくてはならない。良いも悪いも、残酷さも寛容も、無欲もずる賢さも、一件反対の全てを併せ持つ人間のストーリーを聞いた後で、コナーが話さなければならない最後のストーリーは、、、、、本当の心。

とてもデリケートな13歳のコナー役を演じているMatthew Tennysonは9年前にデビューして「Best Newcomer=最優秀新人賞」を獲っている。母を失うのを恐るあまり口に出せずにいるコナー、クラスでいじめに遭っても抵抗する気もなければ戦う気もない抜け殻のような態度、アメリカから久しぶりにやってきた、今は他に家庭を持つ父への複雑な気持ち、どうしても合わなくて打ち解けられない祖母との突然の同居、どうしても認めたくない母の迫りくる死、それらの複雑な思いを抱えた13歳をとてもナチュラルに演じている。

簡素なセットと照明はむしろファンタジーのような不思議な空間を作り出し、真夜中のモンスター(それはコナーの夢かもしれない)とのシーンはグイグイと心に迫ってくる。
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ちょっとお説教めいた理屈が語られるのはやっぱり原作が青少年用に書かれた本だからなのだろう。でもそれを差し引いてもよくできた作品だと思う。とても心に響く。生きていく為に、様々な矛盾を乗り越えていかなくてはならないすべての人にとって、シンプルでありながら一番困難なことを幻想的に描いている。良い芝居を観てしまった。子供向けかと思って劇場で観るのをパスしてしまったのが悔やまれる。ツアーがいつか再開されてまた上演されるのを願っている。
 


ネットで毎日のようにいろいろなものを漁っていると、かなり前の物も見つかる。 
今回見つけたのは1993年のDonmar Warehouseのプロダクション「Cabaret=キャバレー」だ。何故かはよく覚えていないけれど、これは観ていない。 そうか、ちょうど今も続けている仕事の国家資格試験の年で、結婚もした年だ。資格取るまでの三年間ってほとんど芝居も行かなかったからなあ〜〜、、、今になってこれを見つけるとは!! (Youtubeはこちら
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この「キャバレー」はその後97年にブロードウェイに渡り、メンデス氏とロブ•マーシャルの共同演出で再制作され、ここでもエムシーを演じたカミング氏始め4つのトニー賞を取っている。なんと!この時のサリーがナターシャ•リチャードソンだったんだ〜〜!!ちょっとイメージ違う気もするけれど、彼女もこれでトニー賞を取っている。若くして事故で亡くなってしまったのは惜しかった、、、、

キャバレーの舞台といえば、86年か87年のロンドンリバイバル版を観た。劇場も演出ももちろん違って、この時のは映画で知っていたキャバレーのイメージに近かったように記憶している。 

このメンデス氏のキャバレーはミュージカルというより芝居の要素が強い。歌のシーンでも「どんな心情でこの歌を歌っているのか」という演技が重視されているように思う。 ジェイン•ホロックスはこの前に「リトルヴォイス=The rise and fall of Little Voice」で絶妙な歌唱力と幅の広い声質を披露しており、その歌唱力は誰もが知るところ(映画版の「リトルヴォイス」でも堪能できる)。でもこのキャバレーでは「巧く歌おう」とはしていない。それはアラン•カミングも同様だ。もちろんみなさん歌唱力は素晴らしいのだけれど、それ以上に小さな小屋だからこそ、綺麗に歌い上げるよりも役者から迸る感情がダイレクトに伝わってくる。

不穏な空気が世間に漂い始めた第二次大戦直前のベルリン。この先どうなるかわからない運命の中にそれぞれがどの生き方を選択していくのか。この後に起こったベルリンの様子を今の時代だからこそ知っている私たちに、最後は重くのしかかる。ちなみにラストシーンでMCが着ている強制収容所の格子服には3つのマークがついている、ユダヤ人の黄色、政治犯の赤、そしてゲイのピンク。それらがぜーんぶ詰まったKitKat clubの煙くさい空気が漂う舞台だ。これは実際に舞台を観たかったなあ〜〜

Donmarでの芸術監督以降、ロンドン、ブロードウェイ、さらには映画でも大活躍のメンデス氏。私は彼の映画の作り方も好きだ。メンデス氏の映画は好きなものが多い。

芝居とミュージカルの違いを私の中であげるとすれば、基本的に同じ芝居は何度も観ない。(違うプロダクションは別)でもミュージカルは同じものを何度も観るという事がある。映像になっていれば尚更だ。ロンドンに来て、4−5回同じ劇場に行って観たのが、La Cage Aux Follesだった。午後にフラっとレスタースクエアーの半額チケットのブースに行って、安く良い席を買っては観に行ったっけ。
Cabaretも何度も観やすい作品だ。こんな匂いのする芝居が好きだなあ〜〜

今気がついたけれど、2月に観たベケットのEndgameではカミング氏とジェイン•ホロックスの共演だったんだね。またフラっと観たいから、Youtubeから消えないといいな。
 


ロックダウンしてもうすぐ2ヶ月になる。劇場も映画館もロックダウンの前日にはもう閉まっていたから、新しいプロダクションは全て中止だ。そんな中、ロックダウンだからこそのウェブカメラで撮ったショート映画のような作品が出ている。

セットも作れないし場面転換も難しいとあれば、どうしても規模は限られる。今やネットの時代、会わなくてもパソコン一つで顔を見ながら話もできるし、録画もできる。私が子供の頃は「テレビ電話」というのがまさにSFの世界の出来事だったのだから、本当にこのコロナ騒ぎでの自粛が今の時代で良かったよ。

人気のスタジオシアター、Donmar warehouseが公開している一人芝居、「Midnight your time」の前宣伝が面白そうだったので観た。公開は5月20日までyoutubeにてフリーで観る事ができる。それ以降は有料になるのか、配信されなくなるのかはちょっと不明。Youtubeサイトはこちら


たった今ニューイヤーの乾杯をしました、といった様子のジュリーがビデオ通話を娘のヘレンにかけている。ヘレンは不在で仕方なくジュリーはビデオメッセージを吹き込んでいる。どうやらヘレンはパレスチナに住んでいて、設定も今から10年ほど前のようだ。最初のメッセージで「いないのね、まあいいわ、これ観たら連絡頂戴ね、」とごく普通の留守電メッセージを置いてほろ酔いのジュリーはベッドへ。
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次に映るのは、またしてもジュリーからヘレンへの留守電ビデオ。ヘレンが連絡をしてこないので気になっている。そして次のメッセージ、そしてまた次、、、とジュリーからヘレンへの一方通行のビデオが続く。どうやら二人はクリスマスに会った時に言い争いになってしまったらしい。娘のヘレンは何かと自分の人生に干渉してくる母親を相当「うざい」と思っている様子。実際ジュリーの話す内容から、彼女は元法律家で、仕事を辞めることになったのは意に反した状況だったようだ。今も地域での人権問題に意見したりや婦人会に顔を出して政治的発言をしたりしている、ちょっと押しの強い、干渉型の母親のようだ。

ヘレンは全く返信してこない。毎週木曜日に決まってジュリーはビデオメッセージを残すのだが、 娘は母親とのコミュニケーションを拒否している。ビデオのトーンは回を追う毎に変わっていく。始めは「元気でいてくれればいいのよ」と取り繕っていたものの、数週間のうちには娘の不通に怒り、苛立ちを隠せない。涙ながらに真夜中に連絡を乞う母の姿となり、、、、
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やがて、ジュリーはヘレンが自分でなく父親に通じて誕生日に本を送って欲しいと頼んでいた事を知って激怒する。どんな喧嘩だったのか、とにかく今の時代の親子のコミュニケーションの断切を、とても現実的に、それでいて感情的に見せていく。やっとヘレンがジュリーと話をするまで3ヶ月もかかるのだ。

演じているのはDiana Quickという女優一人で、演出はドンマーのMichael Longhurst。この芝居自体は2011年に舞台で演じられていて、だから設定がその頃なのだろう。それを今回配信用にリモートカメラで収録したそうだ。3ヶ月にわたる、母から娘へのビデオレターは、親子関係の現実や、母としての様々な感情の側面を見事に描いている。取り繕って笑う様子、イライラしながら見えない相手に愚痴る様子、絆を修復できない悲しさと寂しさ。さらには絶望感、そしてちょっと親の権限で脅してみたり、、、とたったの30分なのに盛りだくさんの芝居が観られる。

やっとのことでヘレンと会話した後のビデオで、別人のように生き生きとはしゃいで喋るジュリーは、愚かしくもまた元のお節介焼きで干渉家の母親に戻ってしまいそうな気配を見せて幕を閉じる、、、、
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モノローグ芝居と聞いたときは、ちょっと「飽きるかも、、?」と思ったのだが、30分の作品だというので観てみたら、もうずっと最後まで引き込まれてしまった。余計なセリフはなくても、聞いていれば自然と背景がわかる台本で、「ああ、そういうことか」と思いながらジュリーの心情についていくことができる。ダイアン•クイックのセリフ術は言わずもがな。舞台で観るよりこの方が良いのでは無いか、とさえ思う。

実は先週、NHKがリモート制作した3夜ドラマも観たのだけれど、1話目はなんとか観たものの、2話目からはなんだかもう観ていられなかった。同じウェブドラマでもこんなにクオリティーが違うのか、、?もちろんロックダウン中だから、カラッと楽しく漫画の世界のような作品もありだ、とは思うけれど、芝居としてのクオリティーの違い、、、

日本のテレビでは舞台を観たくてWOWOWなんかをチェックしている 石原さとみさんの「密やかな結晶」は面白かった。原作がちょっと架空の世界の設定なので、「どうかな」と思ったけれど、とても独特の空気の漂う芝居だった。
実は石原さとみさんはまだ出たての頃、「赤い疑惑」のリメイク版での一生懸命な演技を見て「いい女優さんになる」と思ってはいたけれど、あまり観る機会がなくて、ドラマを数本しかみていない。でもいつもキチッと演じているのでいつか舞台を見たいな、と思っていた。「いろんなものが一つずつ消滅していく世界」で、消滅したものを忘れずにいられる編集者の男と作家の女性。彼女の方は(普通に)消滅したものを忘れていく中で、最後には身体・命が消滅していくという世界。面白い本を芝居にしたな、と同時に何か感じさせるものを重く残す芝居だった。

さて、これからもサイモン•マクバーニーのCompliciteの作品ややDonmarの昔の「キャバレー」、日本では蜷川さんのシェイクスピアと、まだまだロックダウンが続いて欲しい毎日だ。


 


何と!!ロックダウンで1日家にいるというのに、テレビが突然死んだ!!
夜、普通に観ていていきなりフッと真っ暗になってしまってそれっきり、、、、、うちの彼はエレクトリシャンで、ホテルのメンテナンスも20年近くやっていたからテレビのチェックも慣れている、が、!どうやら単にケーブルやヒューズではなくてトランスミッターに原因がありそうだと言う。「それって直せるの?って言うより、直す価値あるの?」と聞くと、「あんまりないかも」とのことなので、ここは仕方がない、、、新調するしかなさそうだ。

この休職時に何でこうなるかなあ〜〜!!??お給料8割分しか出ないんだよ〜〜!! 


まあ我が家のテレビはほとんどうちの彼用で、私はマックでネットしたりする方多いのだけれど。日本のテレビで今まで見られなかった舞台中継の様な番組が沢山観られるのが嬉しい。昨日観たのは三谷幸喜氏の「日本の歴史」、オリジナルミュージカル。

自分が劇団で芝居をやっていた当時は、「毎日がミュージカル!!」だった。実際に上演していたし、毎日が歌って踊っての日々で、そもそもロンドンに来たのだって、当時の劇場・ミュージカルといえばもうロンドンが世界最高の地だったからだ。 でも不思議なことに、最近はミュージカルをほとんど観なくなった。もちろん好きなのだけれど、「ミュージカル=歌って踊る」という手法を使わないストレートな芝居の方が面白くて、もう何年も観る作品はミュージカルではなく芝居が中心だ。なぜなんだろう、、、歳をとったと言うことか、、、??

何より日本語での翻訳ミュージカルにものすごく違和感を覚える様になった。やっぱり原語で観たものを、何かで日本語訳されてるのを聞くとすごく変に聞こえる。「日本の歴史」がミュージカルと知って「うまく入っていかれるかな」とも思ったけれど、以前観た「オケピ!」は素晴らしく面白かったし、三谷さんなのでそこは間違い無いかな、と期待しつつ観た。

でも心配は無用だった。やっぱりオリジナルはしっくり来るのだね。翻訳して音ハメしようとするから変に聞こえるので、初めから本に合わせて書かれた音楽と歌詞は心配しなくても生き生きと聞こえてきた。

いや〜〜、驚いた!まあ三谷さんだからつまらないものは書かないと思ったけれど、「日本の歴史」とタイトルしてあんな構成にするとは!
まず、これは絶対にミュージカルでなくてはできない。本が成り立たない芝居だ。ミュージカルだからこそ、3−4分の歌と踊りで何十年間を表せる。

何と言ってもたった7人の役者たちが持ち回りで全62役を演じている面白さ。中井貴一さんが今まで見たことのない姿で歌い踊っている!場面場面が寸劇の様で、7人の役者たちの芸達者ぶりに笑いが止まらない。皆さん、本当に楽しそうに生き生きと演じているのがよく判る。

数曲のメロディーが何度も何度も繰り返して使われ、それが歴史の繰り返しの象徴の様に耳に残る。そして何と言っても三谷さんの筆の妙は、歴史に合わせて一家族の物語が並行して綴られていくことだ。歴史の流れの中で、普通に人間が持つ様々な感情、迷いや喜び、悲しみや夢、争いや権力、それらは実は私たちの人生に全て凝縮されている。そして
すっとびの歴史でかいつまんである部分も、よく知られた史実と共に、全く聞いたことのなかった様な人物にまで焦点を当てているのが三谷幸喜さんらしい。

綿密に作られているので唸ってしまう。ミュージカルでなければ作れないストーリーを、日本の歴史とテキサス開拓時代の一家という二重構成で長い歴史を人生の繰り返しに見事に重ね合わせている。

芝居はエンターテイメント、小難しくなくて良いのだ。私は結構重いテーマの芝居も個人としては好きなのだが、やっぱり三谷さんの舞台は、「面白い!」の感想一言でスッキリする。キャスティングが素晴らしいね。歌唱力では女性陣が男性陣を少し上回っていたと思うけれど、芝居、歌、ちょっと踊り、と7人の役者たちのバランスが良くてさすがは当て書き。やっぱりあて書きに勝る本はない。「それをこの人にやらせるか?!」と思う様な事を書いてしまうのが三谷幸喜の魅力。そしてそれに挑戦した役者がまた一味違う顔を持つことに成功するのも。この芝居は一人6-7役をこなしているので、役者の芸の広さに思わず拍手を送りたくなる。

元々ミュージカルは海外からの輸入物から始まった様なもので、私の劇団時代もオリジナルのミュージカルをやっている劇団は本当に少なかったし、「東京キッドブラザーズ」とかが人気があったけれど、どうしても小劇団の「一部マイナー」な粋を出ていない時代だった。だから日本語のセリフのリズム、テンポにちゃんとハマる音楽での一流クオリティーなオリジナルミュージカルが欲しいと思っていた。

日本のオリジナルだって面白いミュージカルになるじゃないの!!

三谷さんは再来年のNHK大河の本を手がける事が既に決まっているそうだ。小栗旬さんの北条義時で、鎌倉幕府時代の話だとか。大河の本ももう3本目、凄いなあ〜。

日本のオリジナルの良い芝居がどんどん出てくる時代になったんだなあ〜と思わずにいられない。私ももう少し頻繁に日本に行かれれば色々と見たいなと思うものもあるんだけれど、、、、まあこればっかりは仕方ない。仕事をリタイヤするまでは我慢して頑張るしかないよね。

現在はロンドンの劇場は全て閉まっている。もちろん映画館やレストラン、カフェでさえ、、、、中には映像でネット配信してくれる芝居も結構あり、普段よりももっとたくさんいろんな芝居を観られる様だ。もちろん舞台は舞台・劇場で見たいけれど、とにかくこのコロナ騒ぎが何とかなってくれるまでは致し方ない。それでもネットとテレビ(新しいのがきたら)があれば、少なくとも退屈はしなくて済みそうだ。



 


日本のテレビを見られるアプリを入れて一番嬉しいのは、地上波でないチャンネルも入っていること。昔からWOWOWで収録・放映される舞台作品は「ああ、観たい!」と思うものがいくつもあった。もちろん舞台は舞台で観るのが一番で、それは私の中でも絶対なのだけれど、観に行かれない時には最近増えてきたTheatre Liveが頼りだ。 

「渦が森団地の眠れない子たち」の公演に関して聞いていたのは、藤原竜也さんと鈴木亮平さんのダブル主演で小学生を演じる、という事だけだった。
実は鈴木亮平さんの事は私は「精霊の守り人」で観るまで知らなかった。日本にいない身なので勘弁していただきたいのだが、「精霊」でのヒューゴ役を見てすぐに、「この人、誰!?」と思って調べた人だ。ドラマ経歴も長く、年齢ももう30半ば、主にテレビドラマの仕事で出てきた人のようだけれど、元々は学生時代から芝居をやっていたという。体格も所作も舞台向きだし、 声も滑舌も良い役者というのは私はすぐに目が行く。藤原くんとは「安針」で共演したという事だけれど、ロンドン公演にはいなかったと思う、、、、

「渦が森団地の眠れない子たち」がオリジナル作品だというのは今回の放映に際して初めて知った。なるほど、当て書き台本ほど心強いものはない。本と演出の 蓬莱竜太さんはご自身の劇団で本を書き、演出も手がけてきている、でも舞台を観る機会はなかったので、こちらも私は初めてだ。ただ、経歴を見ていて「あ!」と思ったのが、以前にネットで観たテレビドラマの「平成細雪」の脚本を書いたのが蓬莱さんだった。とても独特の空気感のある本だったので覚えている。

さて、小学生だ、、、、地震があったエリアから渦が森団地へと引っ越してきた一家。啓一郎はこのとき初めて、母には(双子の)姉がおり、叔母と従兄弟が同じ団地のどこかに住んでいるらしいと告げられる。 でも関わり合いにはなってはいけない、お母さんによく似た人に会っても無視しなさい、と。
出逢ってしまった従兄弟の鉄志は団地の小学生軍団のキング。ガキ大将で、強くて、強引で、でも親戚がいたことを喜んでくれたので、二人は親友の誓いを交わす。そこから数年、子供たちの目から見た団地という世界の力関係、素直だったり、嘘をついたり、友達の見方になったり喧嘩をしたり、、、その中で、本当は嫌いなのに、本当は好きなのに、勝ちたいのに、やっつけたいのに、悪いと思っているのに、謝りたいのに、、、、と様々な心の葛藤が子供の目を通して描かれる。もちろん子供を見守り、また振り回される大人達の姿も。

メインのキャラクターはほとんどが小学生役で、大人役は鉄志と敬一郎の母親を二役で演じる奥貫薫さんと団地の自治会長の木場勝己さんだ。このお二人がガッチリ支えている。
やっぱり当て書きされた本は役者を十分に生かしていて、藤原竜也と鈴木亮平という全く違うタイプの役者をそれぞれの多面性を引き出していて見応えがある。

鈴木さんはどちらかというと正統派な演技をする人だ。声も滑舌も良いし、演技もなんだろう、、しっかりと構成されている、と言えばいいのだろうか。演技が「きちんとしている」のだ。それに対して藤原竜也という役者はやっぱり技術よりも感性が滲み出て来る演技をする人だ。 竜也くんはう〜ん、掠れ声で叫んじゃうのがやっぱり気になるなあ〜。大人になったら息の使い方も上手くなるかなと思ったんだけど、蜷川さんはあんまりそういうことには拘らなかったんだね。もちろん演技力というか、なんだろう、竜也くんの芝居にはオーラがあって、今回のような当て書き本だとそれが本当に生きて来る。

良い本だ。素直に「良い芝居だな」と思って観た。大人だから判る子供時代の微妙でデリケートな心境、それが子供の目で描かれ、それを大人の役者が演じる、、、、「小学生を演じる」と一言で言うにはあまりにも複雑なのだ。蓬莱隆太さんは素敵な芝居を書くなあ〜。

考えてみたら、今の子供達って、こんなふうに外に出て、戦争ごっことかもうしないんだろうな、とふと思った。今の子供達は家でゲームしたりネットしたり、ガキ大将がキングって呼ばれてるなんて事、今となってはもう架空の世界の事なんじゃないだろうか、、、?それとも、まだ地方にいけばこう言う子供達の姿も少しは残っているのだろうか?

後半は涙が出てしまった。芝居で泣くのって久しぶりだ。そして、芝居の最後に大人になった啓一郎が鉄志の事を懐かしく懐かしく、たまらなく会いたくなる気持ちが判る、、、、

子供達は眠れないのだ。考え、苦しみ、喜び、傷つき、後悔し、わけが分からなくて眠れない、、、、とてもリアルなようでいて、それでいて空想の中の話のような、不思議な空気感のある芝居だ。この感じって、前にドラマで見た「平成細雪」でもちょっと感じた。蓬莱さんの本、良いね。


サミュエル•ベケットの芝居をエンジョイするには、彼の芝居が好きでないと「訳がわからない、、!」という人もいるのだろう。同じ場面の繰り返しがあったり、会話として噛み合っていないセリフの応酬があったりする。「ゴドーを待ちながら」は彼の代表傑作だけれど、今回観てきた「Endgame」はゴドーの後に書かれた作品だ。

The Old Vicの今回の企画はベケット2本立ての芝居。初めは「Rough for Theatre II」とあるように、芝居上演の為のラフノート=下書きとのこと。滅多に上演されることのない本だそうだけれど、20分という短い作品だ。
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幕が開くと、正面の大きな窓の枠に立って、今にも飛び降りようとしているかのような男がいる。そしてその部屋に入ってきた二人の男がまるで検事と弁護士かのようにその男についての検証を始める。事務室のような部屋は二人の机とテーブルライトがあり、二人は書類の束をひっくり返して男について語り、議論する。その間窓枠の男は身動ぎもせず、そして最後まで、実際に男が飛び降りるのかどうかわからずじまいなのだ、、、 

20分の芝居の間、話の展開になるようなことはほとんどない。ただ、その日が満月の前日でとても月が明るい事が語られたり、デスクのライトがついたり消えたりする事で逆上したりする。蝋燭を持って部屋の中を探したりと、暗くなって行く部屋の中で使われる明かりが印象的だ。

男二人だけの台詞の掛け合いで、キャラクターが見えてくる。窓枠に立っている男を語る事で、この二人のキャラクター、一人は冷静できちんと整理して物事を運ぶタイプ、もう一人は集中が切れるとキレやすいタイプのようだ。

正直、この前半の小芝居はまああってもなくてもよかったのかなあ〜と思った。めったに上演されないというのも納得、でもベケットらしいとは言える。

メインになっているのが2幕目の「Endgame」のほうだ。1幕で演じた二人が今度は全く違うキャラクターで演じている。ちなみにこの芝居のダブル主演はアラン•カミングとダニエル•ラドクリフ。Endgameというタイトルに、二つの意味を感じる、一つはゲームで使う「ゲームの終盤」の意味、そして、なんとなく空気の中に漂う世紀末的な終わりの雰囲気。始まった時から、実はこのシーンはもうずっと何度も繰り返されてきたのではないかと匂わせている。

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Endgameの方はもっとベケットの芝居らしい。なんだかこの世の終焉のような空気の中、わがままで横暴な主人(足が動かず、目も見えない)とその彼に奴隷のようにこき使われているのに、出て行かれない男(=下男であり、執事であり、息子のような存在でもあり、奴隷のようでもある )、そしてなぜかゴミ箱の中に住んでいる両親らしい老人夫婦。

目と足が不自由なハムは終始怒鳴ったり呟いたりしている、下男のクローヴを事あるごとに呼びつけてはろくでもないことを言いつけ、クローヴはその度に我慢の限界すれすれにキレながらも彼の命令に背けない。「出ていってやる、出ていってやる」と繰り返しては、ハムに丸め込まれるようにまたつまらない用事を言いつけられる。これの繰り返しだ。ドラム缶=ゴミ箱の中に入って暮らしている老人達はどうやらハムの両親らしいが、ハムと父親は衝突しがちで会話が噛み合わず、母親(とははっきり語られていない)は夢見心地の様子で年老いた父親とラヴラヴだ。

この老人二人を演じているのが、 カール•ジョンソンとジェーン•ホロックス。この4人のキャストとベケットということで私はチケットを取った。

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カミング氏のハムは横暴で、支配的で、わがままで、でもクロヴの事を「絶対に自分からは離れていかない」と思っている。クロヴを我慢のギリギリまで追い詰めておいて、それでいてクロヴはどうしても本当に出ていくことができずにいる。おそらくもうかなり長い間、こんな繰り返しの日々だったのだろうと判る。家の外、という感覚が全く感じられない、世界が終わりに近づいているという空気らしい。

最後になって、とうとう出ていく決意をしたクロヴがそれでもコートを着てスーツケースを持った姿で再び部屋に入って来る。見えないハムに気づかれないようにそっと入って来るのだが、ハムはすぐに彼の気配を嗅ぎ取っているようだ。そのまま身動きせずにいるクロヴ、彼がその後出ていくのどうかは演じられない。

「ゴドー」同様に、 この本も元々はベケットがフランス語で書いたものだ。その後本人が英語版に書き換えている。ハムのフラムボヤントで有無を言わせぬ支配力は見ていても息苦しくなって来る。だからこそ、我慢の限界で足をひきずって歩くクロヴのちょっと壊れかけた精神が見えて来るのだ。それでいて本当はお互いが必要な存在、、、、

ベケットの芝居には起承転結が定まっていない。もしかしたら最後の場面の後はまたクロヴは出ていくことをやめて明日も明後日も同じような日々が繰り返されるのではないだろうか、、、とこれは「ゴドーを待ちながら」と似たような印象の終わり方だ。

非現実的なようでいて、実は劇中のキャラクターの心理は理解できるのがベケットの芝居の面白いところだ。人気の役者が揃った舞台はちょっとチケット代が高いのだが、(どう見ても舞台セットその他でお金がかかってるとは思えないから、、、)観客層も「お客様」があまり多くなくて安心した。ダニエル•ラドクリフもすっかりハリー•ポッターからは脱皮している。今回の収穫はジェーン•ホロックスだった。老女の役なのに少女のようで、やっぱり巧いなあ〜と感心する。出番は少ないんだけれどね。

ベケットはちゃんと本で読んでみるともっと面白いのかもしれないね。戯曲を読むことって、もう今は全くなくなってしまったけれど、本で読んでみようかな。


1月は同僚のM嬢 が3週間のホリデーを取っていたので、時間通りに仕事が終われない日が続くと想定して芝居のチケットを取らなかった。何せ、芝居をみるには仕事の後は時間きっかりに職場を出ないといけないもので、、、

今年最初の芝居はコメディー!以前にも見たMischeif Theatreという劇団の作品で、以前にツアーをやっていたのは知っていたけれど、今回またウェストエンドに戻ってきた。タイトルは「The comedy about a Bank robbery」銀行強盗が題材というのはこれはあれこれ面白い展開が期待できる。
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舞台になるのはアメリカ50年代のミネアポリス。服役中のリッチとニールはミネアポリスのシティーバンクにハンガリーの国王から巨大なダイアモンドが預けられる事になったと知り、刑務所を脱走してこれを盗み出そうと計画する。芝居のしょっぱなからセリフの掛け合いにダジャレが入り、最初の2分で観客を30回程笑わせてくれる。言葉の取り違えや意味の勘違いといったセリフ上での笑いはともすると途中で飽きてしまうのだが、これがあくまでも最初だけで、すぐに違う笑いに持っていく手法はすごい。刑務所の脱走は絶対の秘密が定番なのに、ニールのおかげで、看守達や所長にまで知れ渡り、何故かみんなから「ダイアモンド強奪、楽しみにしてるよ〜!」などと煽られる始末。

何とか脱走に成功してミネアポリスにやってきた二人。シティーバンクの頭取はフリーボーイズ氏。彼の娘、カプリースはミッチ の元カノなのだが、彼女は幾多もの男達を手玉にとっている。銀行で働くモナハン夫人の息子、サムはあちこちで万引きや詐欺をしてはオカンを心配させている。このサムと知り合ったカプリースは 医者、弁護士、ラバイ等と名乗っているイカサマ師のサムに早速アプローチ。アパートに連れ込んでいるところに帰ってきたミッチと遭遇し、サムもこのダイヤモンド強盗に加わることに。
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とにかくコメディーに必要なすべての要素が詰め込まれている。このMischief Theatreはロンドンの演劇養成所の卒業生達が結成した劇団で、最初の「The Play that goes wrong」 が大ヒットになったことで一気にウェストエンドの仲間入りを果たした。彼らの芝居については私も2度見ている。その時のブログはこちらへ
The Play that goes wrong Light! Camera! Improvise!  クリックすると飛びます

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最初にみたThe play that goes wrongの頃は何となくまだアマチュアの劇団のような空気が残っていて、それが親しみ易かったのもあるけれど、今回はもっと洗練されて、プロのドタバタコメディーになっている。セリフのおかしさだけでなく、身体的にもかなり高度。50年代という設定で、時折場面で歌が入るのだが、モナハン夫人役の女優さんはじめ、本当に巧い。アカペラでのコーラスもそうだし、見事に雰囲気を出している。そしてロープを使ったアクロバティックなシーンなどもあり、あちこちで役者の身体能力がうかがえる。


聞き違い、勘違い、すれ違い、見間違い、それらを巧みに組み合わせるためのタイミング!本当に0.5秒も狂えないタイミングで芝居が進む。こういうコメディーはヘタをすると学芸会のようになってしまいがちで、昔の芝居にはそんな危なっかしさも見えたのだけれど、今ではすっかり洗練されている。

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誰が最後まで生き残るのか、そしてダイアモンドを手にするのか、、??!

かき集められた配役ではなく、劇団というのもあるのだろう。誰が主役とかスターとかではなく、集団としてのパワー。どの役もしっかり生きているのは台本の力だ。元同窓生が集まって本を書き、芝居を作る。90年代に三谷幸喜さん達、東京サンシャインボーイズが大人気になっていったのと似ているかもしれないね。

この数年の間に、「〜goes wrong」の芝居は数本作られ、私は知らなかったのだけれど、BBCテレビでもgoes wrongシリーズが放映されたらしい。いくつかのエピソードはBBCのオンディマンドにあるみたいだから探してみよう。役者達の反応は本当に素晴らしいケミストリーで包まれている。全くの即興で1時間半近い芝居を連日その場で作って上演できる能力のある人たちだから、お互いの信頼関係が絶大なのはよくわかる。

日曜日のマチネで見たのだが、何とこの日は嵐がきていて大変だった!でもそんな日曜日の午後を、笑い倒して過ごすのは本当に楽しい。本来はコメディーよりもシリアスな芝居の方が好きなのだけれど、やっぱり舞台に関わっていた人間としては、この舞台を寸分の狂いなく連日上演するということの凄さが解るので賞賛せずにいられない。

たまには2時間半爆笑しっぱなしというのも気分が発散できて良いなあ〜!



 


久しぶりに日曜マチネ。場所がウェストエンドじゃないから、仕事の後にはなかなか行かれないので、このスタジオーMeniere Chocolate Factoryに行くときは日曜マチネが多い。そもそも日曜に上演している芝居はとても少ないので珍しいケースだが。

イギリスで愛される作家といえばシェイクスピアとジェーン•オースティン。オースティンの小説は6作しかないにもかかわらず、「高慢と偏見(Pride and Prejudice)」や「分別と多感(Sense and sensibility)」「エマ(Emma)」なんかは何度も映画やドラマになり、その度にキャストが話題になっている。彼女の作品は貴族ではない田舎の地主・有力者の家庭が主で、この「平民だけれどお金と教養があるGentlemen階級」の娘達の、貴族や将校達と結婚するまでを描いたものがほとんどだ。「誰に嫁ぐか」が大問題のお年頃の娘達の目を通して、いろんな男性像や周りの家族達の価値観等を面白おかしく描いている。


この「The Watsons」は比較的早い時期に描き始めた小説だが、なぜか未完のままオースティンは別の話を書き始め、とうとう書き上げる事は無かった作品だ。なぜ途中で打ち捨てられたのかはもちろん明確ではないけれど、だからこそこれに続きをつけた「完結版」と称する作品がたくさん書かれている。

予備知識なしで観たこの芝居、途中からの展開が予想外だった!

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軸になるのは田舎のジェントリー階級の「ワトソン家=題名のThe Watsons」の末娘、エマ。リッチな叔母の元で育てられたエマは他の姉達よりも良い環境で教育を受けてきた。その叔母が再婚するにあたって実家に戻されてきたのだ。父は病床にあって、姉のエリザベスが面倒を見ている。他の姉達にとっても、重要事項は「結婚」のこと。このエリアで一番の貴族「オズボーン家」のパーティーにやってきたエマは、そこでトム•マスグレイヴや牧師のMrハワード、そしてオズボーン家の若き当主、オズボーン等と出会う。 マスグレイヴは娘達の間で話題のいわゆる「たらし」!。自分こそが一番女にもてて当然、のような色気振りまき男。そして堅実で(聖職者だから)誠実な大人のハワード。オズボーン卿は若き当主だが思い切りぎこちなくてまともに女性と会話もできなそうなタイプ。でもこのパーティーでエマはそれぞれの男達に好印象を与えた模様。パーティーの翌日、エマの元にマスグレイヴがやってくるが、彼女は「たらし」には興味がない。続いてやってきたのが不器用なオズボーン卿。しどろもどろで、それでもありったけの勇気を振り絞ってエマに求婚の意想を伝える。

お城に住む貴族のオズボーン卿からの求婚にエマが「イエス」と答えようとしたその時、ワトソン家の若い召使の娘がストップをかける。ジェーン•オースティンの筆はこのプロポーズのあたりで止まっていて、ここからがこの芝居の始まりと言っていい。

召使の娘は実は現代のオースティン研究家のローラ(実際にこの芝居の台本を書いたのがLaura Wade)で、ローラはエマに「あなた達は実在の人間ではなく、書きかけの小説の登場人物にすぎない。この小説は終わりがなくて、でも作者が家族に話した粗筋ではあなたはオズボーン卿ではなくハワード氏と結婚することになっている」と語り出す。登場人物全員がその話を聞いて驚き、混乱し、不安になり、エマ達とローラの会話は現代と19世紀初めのギャップが炸裂する。
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初めはローラが主導権を握って残された資料に鏤められたオースティンの考えたプロットにみんなを引き込もうとするのだが、やがて終わりのないストーリーの中に放り込まれたキャラクター達は「私たちにだって意志がある。書き上げなかった作者の意向なんてどうでもいい」とばかりに反乱精神を起こす。筋書き通りにはならないぞ、と思い思いが勝手な行動に走るのだが、、、、

勝手に結末を付け加えるよりもずっと面白い手法で本が書かれている。放り出されたキャラクター達がどうするのか?ここまでしか描かれなかったキャラクター達が本当はどんな自分でいたいのか?

エマとローラはやがて終わりのないストーリーを繋げていく道を探し出す。

ローラ•ウェイドの本は個々のキャラクターが本の中と外でそれぞれに生かされていて、セリフもウィットに富んでいて笑いを誘う。オースティンが生きたのはもう200年前だ。その頃とは男女のあり方も結婚の仕方も違うとはいえ、どの時代にも属さない価値観の持ち方は今でも十分楽しめる。シェイクスピアが時代を超えて愛されているのも、人間の中身そのものに焦点を当てているからだ。

10人ほどのカンパニーというのもまとめやすいし、本のほとんどは創作なのに、どこかしらジェーン•オースティンらしくてとても楽しい作品だ。半分作者のオースティンは今ではこの国の紙幣(10ポンド札)に描かれている。これをローラがエマに見せるのも笑った!

ちなみにこのメニエールというスタジオはチョコレート工場をスタジオ劇場とレストランにした建物で、行く度に舞台の作り方が違う。客席が周りを囲む造りの時もあったし、スタジオならではの、変形舞台の時もあった。今回は劇場式の舞台の作りで、この狭い空間にそれでも客席400は作っていたかな、、、満杯の客席と舞台の距離感がすごく良くて、スタジオ劇場ならではの熱気で楽しかった。

ちょっとシリアスに考える場面もあったし、何より「これをどうやって収集つけるんだろう?」と思いながらずっと観ていられる。オースティンのように作家になろうと決めたエマはペンを取って自らの続きを書き始める、そしてその小説の主人公もまた作家になって新たなストーリーを、、、、未完の作品が永遠に続いていくのを予感させて静かに幕が閉じられた。

 

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